20 oct. 2017

El foso de la muerte (The Dead Pit)


No descubrí El foso de la muerte (The Dead Pit, Brett Leonard, 1989) en un oscuro videoclub, durante los años en que me dedicaba a explorar todo los videoclubes que podía en busca de oscuras joyas. Tampoco hay una interesante historia biográfica que me ligue sentimentalmente a este título. No, nada de eso. La verdad: me llegó una newsletter de Screen Archives donde aparecía esta película de oferta (una edición de dos discos por unos 6 euros) y, tras ver el tráiler, decidí darle una oportunidad. Fue una genialidad por mi parte, aunque esté mal que yo lo diga.

El doctor Colin Ramzi (Danny Gochnauer) está llevando a cabo experimentos poco ortodoxos con los pacientes del instituto mental en el que trabaja. El doctor Gerald Swan (Jeremy Slater) descubre las horribles prácticas del doctor Ramzi y lo asesina, dejando su cadáver junto a sus víctimas y tapiando la entrada al laboratorio de Ramzi. Veinte años después, una mujer con amnesia, referida como Jane Doe (Cheryl Lawson), nombre dado a las mujeres de identidad desconocida, es enviada a la institución mental para que pueda recuperar la memoria. Su llegada coincide, o provoca, el retorno del doctor Ramzi de la muerte, dedicado a poner en marcha nuevos experimentos y acompañado de sus pacientes zombi.

El director Brett Leonard es conocido principalmente por su no-adaptación de Stephen King El cortador de césped (The Lawnmower Man, 1992), película que dirigió justo después de El foso de la muerte. Como El cortador de césped era la película que me servía de referencia a su trabajo, me sorprendió con esta pequeña maravilla llena de deliciosos momentos de principio a fin.

Mezclando terror con ciertos toques comedia, se nos ofrece un delirante ejercicio lleno de gore (la edición en DVD de Code Red es el montaje del director sin censurar), que va de lo ridículo a lo genial en apenas segundos. Es un film hecho con poco dinero y mucha pasión, de modo que los momentos geniales tienen mucho mérito y los ridículos son muy divertidos. Para el poco dinero que tenían, los efectos de maquillaje son muy buenos y todo el gore está muy bien hecho. También son sorprendentemente buenas para este tipo de película las interpretaciones del reparto. La excepción sería Danny Gochnauer como el doctor Ramzi, pero su sobreactuación hace que cada en momento que sale en pantalla hilarante.

Pero estoy convencido que, más allá del gore y la historia que cuenta, la razón principal por la que disfruté tanto con esta película es esta: es un film con zombis que no presenta un apocalipsis ni a los muertos vivientes reanimados por un simple virus. Esto hace que esta película de 1989 resulte tremendamente refrescante cuando las comparas con el 99% de las películas de zombi actuales.

El tráiler fue suficiente para convencerme que esta película era mi tipo de película, especialmente sin cortar ni censurar. Si mi comentario no os ha convencido para darle una oportunidad, ved el tráiler para descubrir si también es vuestro tipo de película.


Adiós a Umberto Lenzi

 
Este 19 de octubre fallecía a los 86 años Umberto Lenzi. Lenzi fue un director que trabajó en diversos géneros, siempre dentro de la exploitation más efectiva y, en ocasiones, pasada de vueltas. La calidad de sus películas podía variar, pero nunca eran aburridas. Uno de los más claros ejemplos de su habilidad para crear demencial entretenimiento fue La invasión de los zombis atómicos (Incubo sulla città contaminata, 1980), mi favorita de las muchas películas que conforman su filmografía. Fui lo bastante afortunado como para que me firmara una copia de esta durante una visita que hizo a Barcelona. Como sus películas, Lenzi demostró ser tan divertido como excesivo a la hora de hablar sobre su carrera y las anécdotas que se sucedían en sus rodajes. Os invito a homenajearlo repasando cualquiera de sus películas, comprobando que ya no se hace exploitation como la que se hacía antes.


19 oct. 2017

La piel fría (Cold Skin)

 
Publicada mi crítica de La piel fría (Cold Skin, Xavier Gens, 2017) para vuestro deleite personal en Underbrain Mgz:


Es una de las pocas veces que me encuentro ante una adaptación que mejora la novela en que se basa. Por otro lado, su estreno no podía ser más apropiado teniendo en cuenta su mensaje y la situación política actual. No os perdáis la interpretación de Ray Stevenson en la VOSE.


18 oct. 2017

Sumario sangriento de la pequeña Estefanía (Mio caro assassino)

Más conocido por sus espagueti westerns, Sumario sangriento de la pequeña Estefanía (Mio caro assassino, 1972) fue la aportación del director Tonino Valerii al giallo. Una aportación muy sangrienta y violenta, cuya desarrollo es mucho más impactante que su argumento.

Paradisi (Francesco Di Federico), detective de una agencia de seguros, es decapitado usando una excavadora mecánica (!). El inspector Luca Peretti (George Hilton) se pone a investigar el caso. No tarda en descubrir que la reciente serie de asesinatos cometidos por un desconocido están relacionados con otro caso: el secuestro y asesinato hace unos años de la pequeña Estefanía Moroni (Lara Wendel). Para encontrar al asesino, Peretti deberá resolver también el caso de la pequeña Estefanía.

La conexión entre el giallo y el slasher se comentado mucho, pero realmente se hace evidente viendo películas como esta, en la que el misterioso asesino utiliza todo un surtido de herramientas mecánicas y otros utensilios para acabar con sus víctimas. Dejando de lado la expeditiva manera en que el asesino va despachando víctimas, Mio caro assassino nos presenta una historia bastante entretenida de intriga, con la mezcla de dos casos y un montón de sospechosos, incluyendo la clásica escena con todos los sospechosos reunidos mientras el inspector aclara lo sucedido.

Aficionados al cine de terror puede que la disfruten por los sangrientos asesinatos, pero realmente es un film para los amantes del giallo, que disfrutarán mucho más las opciones estilísticas y narrativas propias del género presentes en esta película.


16 oct. 2017

Viva la Anarquía Marxista

 
Ahora el ambiente político está muy caldeado, llenando los informativos y periódicos de las habituales recriminaciones, manipulaciones o, directamente, mentiras a las que estamos acostumbrados, pero en mayor cantidad. Eso sin olvidarnos de las desmesuradas exaltaciones patrióticas que contaminan aún más el ambiente. Todo ello puede resultar agobiante y deprimente, especialmente si para uno las banderas no son más que trozos de tela. Y así estaba yo, hasta que la fortuna quiso que este momento de tensión política coincidiera con la llegada de un pack de películas de los hermanos Marx en Blu-ray, que acaba de editar Arrow Video. Solo hace falta ver estas películas, en la que los Marx ridiculizan todo estamento político y cualquier autoridad que asome la nariz, para darse cuenta de lo absurdo de la situación que vivimos. También sirven para que, al igual que le pasa a Woody Allen en Hannah y sus hermanas (Hannah and Her Sisters, Woody Allen, 1986), uno supere cualquier depresión provocada por la estupidez de los políticos o la vida en general. Sin más preámbulos, os invito a sumergiros conmigo en el surrealista, anarquíco y absurdo mundo de los hermanos Marx.

Este pack de Arrow reúne completa la etapa de los hermanos Marx en la Paramount, cuando todavía eran un cuarteto. Esta etapa está considerada la cumbre del talento de los Marx, mostrando su locura en su estado más puro. Cinco películas que fueron rodadas antes del código moral censor que se impuso a partir de 1934 en el cine americano y en las que el estudio les dio mucha libertad para trabajar. Más tarde, cuando empezaron a trabajar para MGM y se convirtieron en un trío, fueron progresivamente domesticados, utilizados para ayudar a alguna pareja de enamorados enfrentarse a algún villano. Además de que la censura les obligó a prescindir de las numerosas alusiones sexuales y dobles sentidos que formaron parte de su comedia en las películas del periodo Paramount. Incluso las mejores películas rodadas bajo la MGM, como la clásica Una noche en la ópera (A Night at the Opera, Sam Wood, 1935), palidecen ante la locura sin censurar ni suavizar mostrada en estas cinco películas.

Los cuatro cocos (The Cocoanuts, Robert Florey, Joseph Santley, 1929) fue la primera película sonora que rodó el cuarteto de hermanos. El film adaptó una obra con la que los hermanos habían triunfado en Broadway, cuando la tecnología del cine sonoro acababa de empezar. Estos dos hechos son la razón por la que la película es más bien estática y muy teatral, en el sentido de que la cámara está fija rodando una escena. Por fortuna, las escenas que comparten los hermanos son igualmente divertidísimas, así que es fácil pasar estos fallos, que son propios de las limitaciones técnicas de la época en que fue rodada. En su conjunto, es más una muestra de lo que podían dar de sí los hermanos en un nuevo medio, no tanto una auténtica demostración de su talento. Lamentablemente para los que no sepan inglés, algunas de las escenas más carcajeantes se basan en juegos de palabra en inglés intraducibles, como la clásica "Why a duck", algo que se repite en las demás películas.

Tras Los cuatro cocos, los hermanos Marx estrenaron otra adaptación de una obra de Broadway: El conflicto de los Marx (Animal Crackers, Victor Heerman, 1930). Resulta sorprendente comprobar lo rápido que avanzaba la tecnología sonora, lo que permitió un poco más de libertad de movimiento a los actores. También destaca para mí la manera en que Groucho Marx, interpretando a uno de sus personajes más famosos: el capitán Spaulding, se dirige directamente al espectador y revienta en mil pedazos la cuarta pared. Algo que hacía habitualmente en el teatro y que le prohibieron hacer en el cine, igual que también prohibieron que se pintara un bigote falso y cejas. Es obvio el caso que hizo Groucho a estas prohibiciones. Hay que destacar que durante mucho tiempo solo se pudo ver una versión recortada de esta película que hoy día se puede disfrutar sin cortes ni censura.

Pistoleros de agua dulce (Monkey Business, Norman McLeod, 1931) fue la primera película que los hermanos Marx rodaron a partir de un guion original, aunque reciclando muchos gags de su época de vodevil. Cuando los Marx empezaron su carrera en el cine, llevaban ya casi veinte años de trayectoria en los escenarios, así que tenían mucho material que reaprovechar. Es en esta película también donde los hermanos se convierten casi en personajes de dibujos animados, dejando una estela de caos a su paso cortesía de un guion con una trama prácticamente inexistente, que les liberaba para construir su locura sin impedimentos. Los hermanos Marx funcionaban mejor sin argumento que los domesticara, como se demuestra a partir de ahora.

Plumas de caballo (Horse Feathers, Norman McLeod, 1932) es posiblemente una de las películas más divertidas que he visto en la vida. Me pareció genial ya desde la primera vez que la vi cuando era niño. Es la única en la que los interludios musicales son casi un alivio, para descansar de tanta carcajada. Ya directamente convertidos en Looney Tunes de carne y hueso, los hermanos Marx parodian las películas de ambiente universitario, de nuevo con el beneficio de rodar sin un código censor, ya que uno de los elementos principales de la películas es lo que se llamaba una "viuda de universidad", expresión referida a aquella mujer que se iba a vivir cerca de una universidad para tener relaciones con el máximo número de estudiantes universitarios posible. Algo que apenas dos años después sería impensable mostrar en el cine. Un mínimo hilo argumental justifica que los hermanos Marx hagan befa y mofa del establishment universitario, concluyendo con un partido de rugby completamente absurdo y delirante.

La locura de los Marx culmina con una de las mejores comedias de la historia: Sopa de ganso (Duck Soup, Leo McCarey, 1933). Reivindicada en los años 60 por su lectura antibelicista, esta sátira política nos presenta a Groucho Marx como Rufus T. Firefly, presidente/dictador de un ficticio país que no esconde sus intenciones de saquear las arcas públicas y dedicarse con pasión a la corrupción. Por desgracia para nosotros, la película sigue siendo completamente vigente, tanto por su ridiculización del patriotismo bélico como por el retrato que hace de la clase política. Por fortuna para nosotros, en esta película nos encontramos la clásica escena en la que Harpo intenta convencer a Groucho de que está viendo su reflejo en un espejo. Los hermanos Marx no fueron los primeros en llevar a cabo la idea, pero su versión es sin duda la definitiva. Al igual que Plumas de caballo, esta película no llega a los 70 minutos de duración, concentrando una gran cantidad de locura en una mínima duración.

Los hermanos Marx siguen siendo tan geniales, divertidos, anárquicos y surrealistas ahora como en el momento en que se estrenaron estas clásicas comedias. Su genialidad brilla aún más si la comparamos con la mediocridad de aquellos que se creen más importantes de lo que realmente son. Seguid mi consejo y, parafreseando a John Lennon, haceos marxistas, no de Karl sino de Groucho.




13 oct. 2017

Con el corazón en la garganta (Col cuore in gola)


Descubrí esta fantástica película gracias al podcast Daughters of Darkness de Kat Ellinger y Samm Deighan, en el que dedicaron un par de episodios al "art giallo" o giallo artístico. El primer film que trataron fue un título bastante desconocido de Tinto Brass: Con el corazón en la garganta (Col cuore in gola, 1967).

Bernard (Jean-Louis Trintignant) se encapricha de la bella Jane (Ewa Aulin), sin que ella muestre mucho interés. La cosa cambia cuando Bernard sorprende a Jane en una habitación con un cadáver reciente. La pareja inicia entonces una frenética huida mientras intentar demostrar su inocencia por las calles de Londres.

Hoy día Tinto Brass es conocido principalmente por sus películas cargadas de erotismo, pero sus inicios como cineasta fueron bastante variados. Una prueba de ello es este film, en el que mezcla Pop art, la dolce vita italiana y el swinging London de los sesenta para contar una historia de suspense bastante clásica, la del inocente acusado de un crimen que no ha cometido. Es la mezcla de estos elementos la que hace de este un film interesante, ya que a ratos no parece muy interesado en la historia de suspense, perdido en la ambientación, la mezcla de color y blanco y negro y el romance entre los dos protagonistas. Lo cual, la verdad, no es ningún problema desde mi punto de vista, ya que sin este batiburrillo no sería más que una típica película de suspense.

Aunque hay algunas escenas que se hacen un poco largas, como una fiesta en la que se deambula demasiado entre los invitados, si uno se deja llevar por la peculiar narrativa y disfruta con la estética de los 60 más modernos, Con el corazón en la garganta es una pequeña joya. Un giallo sexy alejado de la más habitual estética Argento, cuyo tráiler os ayudará a saber si es el tipo de película que os va.


12 oct. 2017

Mal genio (Le Redoutable)

 
Ya disponible en Underbrain Mgz mi crítica de Mal genio (Le Redoutable, Michel Hazanavicious, 2017), la podéis leer clicando aquí:


Una comedia cinéfila que trata temas interesantes como los peligros de la politización del arte. Y también te ríes.


Annabelle: Creation

 
A vuestra disposición mi crítica de Annabelle: Creation (David F. Sandberg, 2017), en Underbrain Mgz clicando aquí:


Tras la anterior entrega no me esperaba gran cosa, pero me sorprendió lo efectiva y entretenida que es esta película. Una gran mejora.


10 oct. 2017

La suerte de los Logan (Logan Lucky)

 
Ya se ha publicado mi crítica de La suerte de los Logan (Logan Lucky, Steven Soderbergh, 2017) en Underbrain Mgz:


Soderbergh demuestra otra vez su habilidad para este tipo de historias, con buenas interpretaciones y eficaz tono de comedia.


9 oct. 2017

Sole survivor: Único superviviente (Sole Survivor)

 
Antes de Destino final (Final Destination, James Wong, 2000) (o antes del guion de Expediente X que se acabaría transformando en Destino final) estuvo Sole survivor: Único superviviente (Sole Survivor, Thom Eberhardt, 1983), no se cansa de repetir la propaganda de las ediciones actuales en DVD/Blu-ray de esta película. Pero, siendo justos, no es una comparación muy acertada.

Denise Watson (Anita Skinner) es la única superviviente de un desastre aéreo. Desde entonces, se ve acosada por extraños que parecen querer provocar su muerte. A pesar del escepticismo de su novio Brian (Kurt Johnson), Denise se convence de que hay algo de más allá que la quiere muerta y que no parará hasta conseguirlo.

A primera vista, es cierto que el punto de partida de Destino final y Sole Survivor son bastante parecidos. Pero la ejecución, argumento y desarrollo son completamente diferentes. El tema del superviviente de un desastre aéreo que se ve envuelto en una trama sobrenatural ya había sido empleado en distintas ocasiones, como en El superviviente (The Survivor, David Hemmings, 1981). Y la ejecución de Sole Survivor hace que la película sea casi un remake inconfeso (o plagio) de El carnaval de las almas (Carnival of Souls, Herk Harvey, 1962), cambiando un accidente de coche por un accidente de avión.

Eso no quiere decir que el film de Eberhardt carezca de interés. El director, conocido principalmente por su película de culto La noche del cometa (Night of the Comet, 1984), hace un buen trabajo con los personajes, demostrando cierta habilidad para la comedia, y, aunque el desarrollo es algo lento, cuando se mete de lleno en la trama de terror resulta una película bastante entretenida.

En definitiva, una curiosidad para los fans del género, que ahora se promociona por unos méritos que realmente no tiene.


6 oct. 2017

Usted primero, por favor (Deathrow Gameshow)

 
No sé que me ha hecho acordarme de esta película recientemente. Seguro que no ha sido ver políticos mintiendo descaradamente o medios manipulando la información para favorecer su línea editoral, esas cosas no pasan en democracias modernas como la nuestra, son cosas que pasan en lugares lejanos como Venezuela. Tampoco sé muy bien a qué se debe el absurdo título en castellano, pero aquí os traigo Usted primero, por favor (Deathrow Gameshow, Mark Pirro, 1987).

Deathrow Gameshow nos cuenta la historia de Chuck Toedan (John McCafferty), creador y presentador del programa Live or Die, en el que condenados a muerte se juegan su supervivencia en un macabro concurso, cuyo resultado final es, casi siempre, la muerte del participante. Uno de estos participantes fue un jefe de la mafia, cuya muerte trajo provocó que ahora Chuck sea el objetivo de múltiples intentos de asesinato. ¿Podrá Chuck sobrevivir sin que bajen los índices de audiencia?

El film de Mark Pirro utiliza elementos que siempre me han gustado: sátira sangrante, humor negrísimo y comedia absurda. Lamentablemente, el director y guionista no explota de manera acertada todos estos elementos, aunque tiene un punto de partida brillante: un concurso en el que se ejecuta a los perdedores. El problema es que la contínua retahíla de chistes y gags tiene tantos fallos como aciertos.

Mientras algunos momentos me hicieron reír a carcajadas, otros me dejaron indiferente. Por suerte, la película es bastante corta, así que no se hace pesada. Además, la sátira televisiva y otros elementos siguen siendo vigentes hoy día, de modo que la comedia no ha pasado de moda, a pesar de que se estrenó a finales de los 80.

No es un film que recomendaría a todo el mundo, pero si os hace gracia la premisa creo que podéis darle una oportunidad.


5 oct. 2017

Blade Runner 2049

 
Con gran placer os anuncio que ya está disponible la crítica que he escrito de Blade Runner 2049 (Dennis Villeneuve, 2017) en Underbrain Mgz, clicad aquí para leerla:


Le tenía muchas ganas a esta película, tanto por el director como por ser secuela de Blade Runner (Ridley Scott, 1982), clásico que vi de nuevo antes de ir al pase de Blade Runner 2049. Como podéis leer en la crítica, la espera ha valido la pena.


2 oct. 2017

El juego de Gerald (Gerald's Game)


Creo que el estreno de dos fantásticas adaptaciones de novelas de Stephen King como It (Andy Muschietti, 2017) y, ahora, El juego de Gerald (Gerald's Game, Mike Flanagan, 2017) ha compensado enormemente la terrible decepción que fue La Torre Oscura (The Dark Tower, Nicolaj Arcel, 2017). El juego de Gerald traduce al lenguaje cinematográfico lo que parecía una novela muy complicada de adaptar sin traicionar su origen y resultando en un estupendo film.

Gerald y Jessie Burlingame (Bruce Greenwood y Carla Gugino, respectivamente) deciden pasar un fin de semana en su solitaria casa en el bosque, en un intento de animar las cosas en su matrimonio. Pero durante un juego, que implica esposar a Jessie a la cama, Gerald muere de un ataque al corazón. Jessie debe ahora encontrar la manera de escapar de esas esposas, enfrentándose no solo al hambre y la deshidratación, también a lo que ronda por el bosque.

Cuando Stephen King publicó El juego de Gerald, lo hizo al inicio de un periodo no muy brillante de su carrera, con novelas como Insomnia y El retrato de Rose Madder que no representan lo mejor que puede ofrecer el autor. Por ello, El juego de Gerald destacó como una novela poderosa y angustiante, pero no ha perdido capacidad de impacto con el tiempo. Unos meses antes de que se anunciara su adaptación, la volví a leer y me sorprendió su fuerza, ya que no la recordaba tan impactante. Gran parte de esa fuerza ha conseguido trasladarla Mike Flanagan a la pantalla, planteando una situación angustiante en términos cinematográficos, logrando mantener el suspense y la angustia de principio a fin.

Como os podéis imaginar, gran parte de la novela transcurre en la cabeza de la pobre Jessie, discutiendo con las voces que pueblan su atribulada mente. Me ha sorprendido hasta que punto coincide la manera que tiene Flanagan de trasladar esto a la pantalla con tal y como yo me lo imaginaba. Es decir, creo que esta película me ha gustado tanto porque hace exactamente lo que yo habría hecho si hubiera tenido la oportunidad de llevarla al cine. Aunque yo habría añadido un par de cosas más, para desarrollar mejor algunos aspectos.

Además de la labor de Flanagan, está claro que una de las razones por las que esta película funciona tan bien es la fantástica interpretación de Carla Gugino. La actriz sostiene toda la película sobre sus hombros y es clave para que el film llegue a buen puerto. Gugino parece consciente de ello y ofrece una interpretación que, si fuera otro género y se hubiera estrenado en cines, seguramente le habría valido diversas nominaciones.

El juego de Gerald está disponible desde el viernes en Netflix. La recomiendo tanto como fan de Stephen King como del género.


28 sept. 2017

La orgía de los muertos (Orgy of the Dead)


Esta es una de las pocas películas que he tenido muchas dudas sobre si incluirla en el blog o no. La orgía de los muertos (Orgy of the Dead,  Stephen C. Apostolof como A.C. Stephen, 1965) fue escrita por Ed Wood Jr. y lleva su marca, lo que la hace automáticamente interesante. Al mismo tiempo, tiene momentos en que se hace muy aburrida. Resulta obvio que me he inclinado por escribir sobre ella, ya que es lo suficientemente bizarra como para merecer un sitio aquí.

Bob (William Bates) y su novia Shirley (Pat Barrington) conducen por una solitaria carrereta una noche, buscando un cementerio en el que Bob pueda inspirarse para escribir una novela de terror. Lo que no saben es que esta es la misma noche que las criaturas del más allá, lideradas por el Emperador (Criswell) acompañado de su segunda la gul (Fawn Silver), celebran su peculiar orgía de baile. Bob y Shirley deberán escapar de esta orgía antes de convertirse ellos en las próximas víctimas de las criaturas de la noche.

Dependiendo de la fuente, esta película fue escrita por Ed Wood Jr. para luego adaptarla en novela o fue escrita como novela por Ed Wood Jr. y adapatada al cine por él mismo. Los títulos de crédito indican que es un guion de Ed Wood Jr. basado en su novela, dejémoslo ahí. Pero la implicación de Wood es importante ya que, aunque él no fue el director, este film tiene muchas de las características del cine del maestro del surrealismo torpe, en particular de su etapa de decadencia. Estas características radican en unos diálogos ridículamente absurdos o absurdamente ridículos, la presencia del psicotrónico Criswell y una narrativa bastante torpe. La dirección de Apostolof alcanza grandes niveles de entusiasta incompetencia, así que encaja perfectamente con las otras películas de Wood.

La película fue rodada cuando las nudies estaban ya desapareciendo. La trama es una excusa para presentar los distintos bailes que llevan a cabo bailarinas en topless, una de ellas Pat Barrington que, además de interpretar a Shirley, es la Chica de Oro. Vistas hoy en día, las nudies destacan no por su erotismo (completamente nulo), sino por su ingenuidad y ocasional incursión en el surrealismo. Es el caso de Orgy of the Dead, cuyas escenas de baile resultan demasiado largas y aburridas, sin mencionar que no son precisamente muy excitantes, por muy atractivas que sean las bailarinas (ver tráiler).

Sin embargo, en las escenas entre bailes, la películas deja de ser aburrida para convertirse en una maravilla trash capaz de hacerte caer del sofá de la risa. Esos diálogos, esa interpretación de Criswell, ese hombre lobo levantando la cabeza mostrando donde termina la máscara que lleva... En defintiva, un delirio absurdo que compensa el tedio de las escenas de baile.

La película ofrece tantos momentos álgidos como de bajón, pero los amantes del cine basura y del absurdo deberían darle una oportunidad.


27 sept. 2017

Pánico en la carretera (Retroactive)


De entre los diversos temas propios de la ciencia ficción, los viajes en el tiempo es de los que ha originado películas más distintas entre sí. Un ejemplo de ello es Pánico en la carretera (Retroactive, Louis Morneau, 1997), que usa los viajes en el tiempo para crear una especie de road movie de acción.

Karen (Kylie Travis) viaja por el desierto cuando un accidente hace que se quede sin transporte. Es recogida por Frank (James Belushi) y Rayanne (Shannon Whirry). Todo parece más o menos normal, hasta que Frank se descubre como un violento psicópata, que tras matar a Rayanne se dedica a perseguir a Karen. En su huida, Karen entra en una instalación donde se está llevando a cabo un experimento secreto lo que provoca que, accidentalmente, se vea transportada al pasado. Pensando en que ha recibido una oportunidad para impedir un asesinato, intenta arreglar las cosas, pero solo empeoran. Y con cada viaje al pasado, parecen empeorar más.

Retroactive establece sus sencillas reglas para el viaje temporal de forma rápida, ya que en realidad es todo una excusa para mostrar cada vez más elaboradas escenas de acción, a medida que va avanzando hacia su conclusión.

Los paisajes desérticos son un gran escenario para una road movie y permiten que la película parezca mucho más espectacular de lo que en realidad es. Lo que resulta también importante para que no se haga repetitiva: cada viaje es distinto, aunque involucra a las mismas personas. El principio sí que puede hacerse algo largo, hasta que Karen viaja al pasado, pero es necesario para que podamos conocer a los personajes y su situación antes de que todo se vaya alterando.

Las secuencias de acción y la interpretación de Belushi como pirado asesino son los elementos que hacen de este un film muy entretenido, aunque poco más. Pero la película tampoco quiere ser nada más que eso.

26 sept. 2017

Chocolate


JeeJa Yanin es una estrella del cine de acción tailandesa, cuyo debut fue la delirante e impresionante Chocolate (Prachya Pinkaew, 2008).

Yanin es Zen, hija de un yahuza, Mashashi (Hiroshi Abe) y una mafiosa tailandesa, Zin (Ammara Siripong). Su relación está condenada por el jefe de Zin, así que Mashashi se ve obligado a regresar a Japón y Zin a esconderse. Cuando Zen nace, se le diagnostica como autista, con una inaudita habilidad para imitar y copiar movimientos. Tras ver continuamente películas de artes marciales, Zen no tarda en convertirse en una experta luchadora, lo que le servirá cuando el jefe de su madre regrese buscando venganza.

Chocolate tiene ciertos puntos en común con películas como Merantau (Gareth Evans, 2009), en el sentido que invierten mucho tiempo en los aspectos dramáticos de su historia, haciendo que la acción tarde en presentarse. Pero cuando lo hace, lo hace de forma espectacular. Chocolate contiene impresionantes escenas de acción que van aumentando en complejidad hasta llegar a un tramo final que te deja con la boca abierta. Por desgracia, fuera de Tailandia no se puede ver la versión completa de la película. Esto se debe a que Zen imita a la perfección escenas de acción de Bruce Lee y Jackie Chan, así que originalmente se habían concebido escenas en las que se usaría pantalla partida: en un lado JeeJa Yanin y en el otro el actor al que imita. Por razones de derechos, fuera de Tailandia se tuvo que eliminar todo el material en el que aparece Bruce Lee y Jackie Chan, quedando solo las escenas en las que Zen ve películas de Tony Jaa y sin pantallas partidas. Sin embargo, se puede reconocer el estilo de Lee y Chan en las escenas donde se supone que Zen los imita.

La principal razón por las que estas escenas de acción resultan tan impresionantes es el realismo que transmiten, ya que muchas veces los actores y actrices realmente están llevando a cabo las acciones que vemos en pantalla. En los títulos de crédito aparecen tomas falsas, como en las cintas de Jackie Chan, y se ve que algunos acabaron hospitalizados y Yanin se llevó más de una patada en la cara.

Si sois fans del cine de acción y artes marciales, supongo que ya conoceréis el trabajo de esta actriz, que admito he descubierto recientemente ya que no estoy muy puesto en este género. A los que no la conozcan, os animo a ver esta cinta que resulta espectacular, si tenéis paciencia con las escenas dramáticas.


25 sept. 2017

Effects

 
Considerada perdida durante décadas, Effects (Dusty Nelson, 1980) regresa para inquietar a toda una nueva generación de espectadores. Tras un fugaz pase en diversos festivales, el film de Dusty Nelson desapareció sin haber sido nunca editada en VHS o ningún otro formato doméstico. Y se mantuvo en el limbo hasta que Synapse la rescató del olvido, editandola en DVD en el 2005. Ahora, Agfa la ha editado en Blu-ray.

Normalmente, esta es la parte en la que hago una sinopsis de la película, respondiendo la pregunta eterna que nos persigue a todos: ¿de qué va? Pero creo que la mejor manera de entrar en Effects es sin saber mucho del argumento. Yo no sabía nada de la película cuando apreté "play" y me puse a verla, solo su reputación y su conexión con George A. Romero, lo que posiblemente contribuyó a que la disfrutara más, ya que no tenía ninguna idea preconcebida sobre ella. En este sentido, os recomiendo lo mismo.

¿Y por qué deberías sentir ningún interés en verla? Porque consigue mucho con muy poco. La conexión George A. Romero es que gran parte del personal delante y detrás de las cámaras formaba parte del equipo que Romero empleaba en su etapa como cineasta independiente. Los más reconocibles son Joe Pilato y Tom Savini, que se encargó también de los efectos de maquillaje. Trabajando como actor tenemos a John Harrison, que se encargó de la banda sonora de Creepshow (George A. Romero, 1982) (algo que también hace en Effects) y fue el director de El gato infernal (Tales from the Darkside: The Movie, 1990). Todos ellos acostumbrados a trabajar con pocos medios sin que fuera evidente. Y, en cierto modo, se interpretan a si mismos ya que el film gira en torno a personas haciendo una película de terror de bajo presupuesto. En el audiocomentario cuentan que mucho del equipo que aparece en pantalla era el equipo que ellos mismos estaban usando para rodar la película.

En ciertos aspectos, Effects es un film adelantado a su tiempo. Recursos hoy comunes como el de "una película dentro de una película" eran muy novedosos y no se habían usado mucho anteriormente. También hay otros aspectos que en nuestra sociedad de reality es bastante normal, pero entonces tampoco se había utilizado, más que puntualmente y con otras intenciones.

Estos elementos contribuyen a la inquietante atmósfera que planea sobre toda la película. Este es un film que trabaja el terror psicológico, perturbador. Poco a poco, el espectador se siente atrapado sin saber por qué, hasta que todo explota en el tramo final. Eso significa que aquellos que no tengan paciencia para lo que se llama un slow burn es posible que no disfruten, o no les llame la atención, Effects. Yo disfruto de todo tipo de terror, del más gráfico al más sutil, así que esta película encaja perfectamente con mis gustos. Espero que los vuestros también.


21 sept. 2017

Kingsman: El círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle)

 
Ya se ha publicado mi crítica de la nueva Kingsman: El círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle, Matthew Vaughn, 2017) en Underbrain Mgz:


Estupenda secuela que no supera la original pero mantiene el nivel. Si os gustó la anterior, seguro que la disfrutáis.


20 sept. 2017

El asesino de la isla (The Slayer)

 
Arrow Video ha rescatado del olvido El asesino de la isla (The Slayer, J. S. Cardone, 1981), un antecedente de Pesadilla en Elm Street (A Nightmare on Elm Street, Wes Craven, 1984). Este film de terror estuvo perdido durante décadas en ediciones en VHS censuradas, recortadas y con pésima calidad de imagen y horrendas ediciones en DVD que eran versiones digitales de esas ediciones en VHS.

Kay (Sarah Kendall) y su marido David (Alan McRae) aceptan la invitación de irse de vacaciones a una casa en una isla que les ha hecho Eric (Frederick J. Flynn), hermano de Kay, y su esposa, Brooke (Carlo Kottenbrook). Desde hace un tiempo, Kay sufre de insomnio y terribles pesadillas, así que estas vacaciones son un intento de eliminar estos terribles sueños. Pero cuando los asesinatos empiezan, queda claro que las pesadillas no desaparecen sino que se hacen realidad.

Como he mencionado al principio, el argumento de The Slayer recuerda bastante al de la posterior Pesadilla en Elm Street. Con eso no quiero decir que Wes Craven se inspirara en esta película ni mucho menos, pero resulta interesante que, durante principios de los 80, los sueños y las pesadillas cada vez tuvieran una mayor presencia en el género. Cardone cuenta que la inspiración para su película la obtuvo de los relatos clásicos de H. P. Lovecraft de trama onírica. Como le sucede a muchos protagonistas de los relatos de Lovecraft, Kay nunca es tomada en serio cuando expresa sus terrores nocturnos, hasta que ya es demasiado tarde.

Se ha criticado que el desarrollo de The Slayer es algo lento. Es verdad que Cardone dedica bastante tiempo a crear una atmósfera inquietante y llena de suspense, tal vez más del necesario. Pero, desde mi punto de vista, eso no hace más que las escenas sangrientas tengan un mayor impacto. Si tenemos en cuenta que las interpretaciones son bastante buenas y la solitaria ambientación muy efectiva, los esfuerzos de Cardone en crear esa atmósfera obtienen buenos resultados. The Slayer es un efectivo y logrado film de terror que se merece salir de la oscuridad.

Yo no estaba familiarizado con este film y ha sido todo un descubrimiento para mí. Si también os atraen las atmósferas inquietantes y los terrores oníricos os invito a descubrir si se trata de una pesadilla o es... The Slayer.


8 sept. 2017

IT

Ya podéis leer lo mucho que disfruté con IT (Andy Muschietti, 2017) en Underbrain Mgz, clicando aquí:


Tras la terrible experiencia que fue La Torre Oscura (The Dark Tower, Nicolaj Arcel, 2017), disfrutar de nuevo con una adaptación de una novela de Stephen King en la gran pantalla ha sido maravilloso. En especial, la adaptación de esta novela que es mi favorita. Id todos a verla.


6 sept. 2017

Terror sin fin (Night Terrors)


Como ya mencioné en el artículo que escribí al hacerse pública la muerte de Tobe Hooper, quiso la casualidad que estuviera repasando una de sus menos conocidas películas antes de saber la terrible noticia. Mi interés por este título radica en el conocido hecho de que, a partir de los años 90 y, especialmente, durante el siglo XXI, la carrera de Hooper había entrado en decadencia, consiguiendo sobrevivir dirigiendo episodios de televisión y películas editadas directamente en el mercado doméstico. Tenía curiosidad por ver qué títulos de esta época podían ser reivindicables.

Supe originalmente de la existencia de Terror sin fin (Night Terrors aka Nightmare, 1993) por la revista Fangoria, que por aquel entonces editaba ediciones Zinco. Recuerdo leer una entrevista a Robert Englund a raíz de su papel en este film, adornada con fotografías que despertaron mi interés. Cuando finalmente la encontré en vídeo no me pareció gran cosa, más allá de disfrutar con la poderosa presencia de la actriz protagonista, Zoe Trilling. Viéndola de nuevo ahora, es fácil entender qué me atrajo de este film siendo un inmaduro adolescente y qué no, y qué me atrae ahora como inmaduro adulto y qué no.

El film transcurre en dos momentos temporales. Primero nos introduce a Robert Englund como el marqués de Sade, siendo torturado en una prisión, en algún momento a finales del XVIII y principios del XIX (Sade murió en 1814). Las secuencias de Sade en prisión sirven como contrapunto a la historia del presente, en la que la joven Genie (Zoe Trilling) llega al Cairo para visitar a su padre, el doctor Matteson (William Finley), mientras este lleva a cabo ciertos trabajos de arqueología. Genie se verá pronto involucrada en los aspectos menos sanos de la vida nocturna del Cairo, mezclándose con una secta sadomasoquista encabezada por Paul Chevaller (Englund), descendiente del marqués de Sade.

Queda claro que este no es un film perfecto y creo que los elementos que más me hicieron disfrutar del film puede que descoloquen/no sean apreciados por otros espectadores o personas normales. Se nos presenta a Genie como el producto de una estricta educación religiosa, el siempre genial Finley interpreta a su padre como un fanático religioso algo desequilibrado con afición por las cuerdas, así que la joven se ve más que predispuesta a romper todos los tabúes imaginables. Parte de esta rebelión contra el padre implica tomar drogas, lo que proporciona una serie de secuencias alucinógenas nada despreciables. Además de las alucinaciones, Genie también tiene memorables pesadillas y sueños, enlazados con el marqués de Sade.

Todo ello da como resultado un film que tal vez no es muy impresionante como cinta de terror o thriller erótico, pero desde luego resulta tremendamente entretenido gracias a sus momentos oníricos y asesinatos. Las interpretaciones de Englund y Finley, como siempre, no decepcionan, aunque Trilling no destaque precisamente como actriz. La misteriosa Trilling, también conocida como Geri Betzler, se ha ganado un seguimiento de culto gracias a las diversas películas de terror en las que intervino, aunque se retiró pronto del mundo de la interpretación. No muy hábil como actriz es innegable que, como ya he dicho antes, su poderosa presencia la hace siempre interesante.

Terror sin fin, desde luego, no se encuentra entre lo mejor del director tejano, pero no por ello resulta menos interesante. No lo recomiendo a todo el mundo, pero si la mezcla de alucinaciones, sueños y sadismo os parece atractiva, dadle una oportunidad.


5 sept. 2017

Milano odia: la polizia non può sparare aka Almost Human

 
La reciente edición inglesa en Blu-ray de Milano odia: la polizia non può sparare (1974), bajo su más popular título Almost Human, dirigida por el siempre interesante Umberto Lenzi, es la excusa perfecta para recuperar este violento clásico con una memorable banda sonora de Ennio Morricone.

Giulio Sacchi (Tomas Milian) es un criminal de poca monta cuyo consumo continuado de pastillas y alcohol lo está transformando en un violento psicópata. Tras estropear un atraco, decide que ha llegado la hora de ir a lo grande y, con la ayuda de sus compinches Carmine (Ray Lovelock) y Vittorio (Gino Santercole), decide secuestrar a la hija de un millonario, la pobre Marilù Porrino (Laura Belli). Giulio inicia así una brutal serie de crímenes y asesinatos, ya que está determinado a matar a todo el que se le ponga por delante. El único que se atreve a darle caza es el inspector Walter Grandi (Henry Silva), un policía obsesionado con poner fin a la orgía de violencia de Giulio.

Lenzi, para crear este brutal poliziottesco, usó la influencia del cine negro francés y la mezcló con el inquieto y revuelto ambiente social que, en ese momento, se vivía en Italia. De hecho, los secuestros se habían empezado a popularizar como crimen, de ahí la idea para Milano odia. El resultado final es un film tenso y muy violento, que destaca por las interpretaciones de Tomas Milian y Henry Silva. Aunque, claro, se disfruta más del trabajo de Silva en la pista de audio inglés y del de Milian en la pista de audio italiano, aunque no es suya la voz sino de Ferruccio Amendola, un actor escogido personalmente por Milian.

La principal baza del film es la manera en que Lenzi presenta el rastro de destrucción que va dejando Giulio a su paso. A pesar de ser mostrado como un desequilibrado psicópata, también tiene la astucia suficiente como para burlar los esfuerzos del inspector Grandi para atraparlo, lo cual aumenta la frustración de Grandi hasta conducirlo a llevar a cabo acciones extremas. La espera por el inevitable enfrentamiento entre ambos y por ver qué nueva atrocidad llevará a cabo Giulio llenan de tensión el metraje del film.

En definitiva, un clásico del género, que imagino de sobras conocido por los aficionados, pero que ahora muchos iniciados tienen la oportunidad de descubrir.


4 sept. 2017

7, Hyden Park: La casa maledetta aka Formula for a Murder

 
Hacia mediados de los 80, el giallo de los 70 estaba prácticamente desaparecido, sustituido por imitaciones de thrillers y slashers a la americana. 7, Hyden Park: La casa maledetta (Alberto de Martino, 1985), más conocida por su título inglés Formula for a Murder, es un tardío ejemplo del género, uno de los últimos, además de ser la última película de su director.

Joanna (Christina Nagy) es una millonaria parapléjica que planea donar una fortuna a un instituto para los descapacitados como ella. Joanna acabó en una silla de ruedas tras sobrevivir al ataque de un asesino pederasta vestido de cura. Ahora, empieza a verse acosada por visiones de un misterioso cura. Al mismo tiempo, unos brutales asesinatos empiezan a tener lugar, perpretados por un hombre vestido de cura. Joanna depende más que nunca de la ayuda de Craig (David Warbeck), su en apariencia devoto marido que planea hacerse con la fortuna de Joanna antes de que esta cometa la locura de donarla a beneficiencia.

El film de De Martino adopta ciertas caracterísitcas del giallo, sobretodo a la hora de representar los asesinatos, pero está más en sintonia con las películas de mujeres amenazadas, siguiendo el modelo implantado por películas clásicas como Sospecha (Suspicion, Alfred Hitchcock, 1941) y Luz que agoniza (Gaslight, George Cukor, 1944). El resultado es una interesante mezcla, en la que los motivos psicológicos del giallo, principalmente el trauma del pasado, y visuales, el asesino cuya arma es una afilada navaja de afeitar, se utilizan para crear suspense de manera diferente a la habitual en el género. En lugar de esperar hasta el final, se revela al principio del film el complot entre el personaje de David Warbeck y Ruth, personaje que interpreta Carroll Blumenberg, de manera que la intriga se basa más en temer por la vida de Joanna a medida que el peligro aumenta.

Como suele ser habitual en este tipo de películas, la presentación que se hace de la trama resulta mucho más interesante que la trama en sí, sobretodo si se añaden escenas oníricas a la mezcla como hace De Martino. Tiene momentos interesantes, como un intento de asesinato via orgasmo o los diversos asesinatos de curas, de modo que resulta entretenida de principio a fin. No muy popular comparado con otros giallo, es un título que interesará a los fans completistas.


30 ago. 2017

Doctor Zacarías

 
¿Habéis visto este corto?


¿Qué os ha parecido? ¿Divertido? ¿Descacharrante? ¿Mejor que una patada en la boca? ¡Claro que sí! Pues ahora podéis colaborar para que el doctor Zacarías pase a ser una película de verdad, no como las de Michael Bay. Clicad en este enlace para saber más:

29 ago. 2017

Luca el contrabandista (Luca il contrabbandiere)


Lucio Fulci es conocido principalmente en la actualidad por sus películas de terror, llenas de decadentes zombis y gore. Pero, antes de ser encasillado como director de cine de terror, Fulci cultivó todos los géneros posibles. Un gran ejemplo de ello es Luca el contrabandista (Luca il contrabbandiere, 1980), una cinta mafiosa que tiñe Nápoles de rojo sangre debido a una guerra de bandas, llena de traiciones y tiroteos.

Según cuenta la película (desconozco si era realmente así), la economía de Nápoles se sostenía con el contrabando de tabaco. Uno de los mejores contrabandistas es Luca Di Angelo (Fabio Testi). Cuando una reciente operación de contrabando sale mal, Luca sospecha que alguien les ha traicionado. Entonces, su hermano Mickey (Enrico Maisto) es asesinado y Luca se lanza en una misión de venganza en la que se convertirá en el objetivo de  François Jacois (Marcel Bozzuffi), alias El Marsellés, un peligroso narcotraficante.

Es posible que recordéis una escena en El padrino (The Godfather, Francis Ford Coppola, 1972), en la que don Corleone (Marlon Brando), rechaza mezclarse con traficantes de drogas, argumentando que el licor y el juego son vicios comunes entre los hombres, lo que hace que la policía sea más permisiva, algo que no sucedería si de repente se metieran en negocios de drogas. Igual sucede en esta película, en la que los contrabandistas de tabaco son héroes que sostienen la economía del lugar, enfrentados con aquellos que pretenden introducir heroína y cocaína en el país. Una situación que podría tener una lectura socioeconómica: los contrabandistas son italianos de pura cepa que siguen el negocio familiar, mientras los traficantes son extranjeros que pretenden quitarles el trabajo y contaminar su país.

Una lectura que dudo mucho estuviera en las mentes de los cineastas que simplemente querían hacer una película de acción con Fabio Testi como hombre duro. Y si bien hay bastante acción mientras cuenta su historia de guerra de traficantes, este film es recordado principalmente por la ultraviolencia que Fulci lanza sobre el espectador. Escenas brutales, como una en la que le queman la cara a una mujer con un soplete o los sangrientos tiroteos, se quedan grabadas en la retina del espectador y son las que realmente hacen destacar esta película comparada con otras del género.

Fulci no abandonó la sangre y el gore aunque cambiara de género. Además de resultar impactante, también le dan un aire de realismo, al ser tan pasadas de vueltas se acercan bastante a lo que eran este tipo de guerras en la realidad. En definitiva, un Fulci diferente, aunque no tanto, que interesará a los aficionados al cine mafioso, además de a los fans del maestro italiano.


28 ago. 2017

Adiós a Tobe Hooper

Este domingo me puse a ver Terror sin fin (Night Terrors, 1993) de Tobe Hooper con la idea de hacer un artículo para el blog. Cuando acabé de verla, entré en Internet y me enteré de la noticia de la muerte del creador de Leatherface.

Con la muerte de Hooper, desaparece otro de los maestros del cine de terror que transformaron el género durante los años 70, junto a los también desaparecidos George A. Romero y Wes Craven. Con La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974), el director tejano ofreció al mundo un film visceral y aterrador que hoy día sigue sin ser igualado. Hooper, con pocos medios y en complicadas condiciones, logró crear una pesadilla intensa y malsana, seguramente gracias a las mismas complicadas condiciones en que fue rodada.

El éxito prematuro con La matanza de Texas marcaría de forma permanente la carrera de Hooper, que no pudo volver a realizar un film que estuviera a la misma altura. Sin embargo, su carrera a partir de entonces está llena de películas muy interesantes y apasionantes, incluso logrando otro gran éxito con Poltergeist (1982), a pesar de que, desde su estreno, han surgido diversos rumores asegurando que fue en realidad Steven Spielberg quien la dirigió o que fueron los dos los encargados de dirigirla o que Spielberg le quitó de las manos a Hooper la película. Estos rumores y teorías, negados repetidamente por ambos directores, se los tomaba Hooper, después de tanto tiempo oyéndolos, con bastante humor en su novela Midnight Movie.

Si Hooper nos dejó en los 80 cintas épicas y grandiosas a su manera como Lifeforce - Fuerza vital (Lifeforce, 1985) y Masacre en Texas 2 (The Texas Chainsaw Massacre 2, 1986), los 90 representan la decadencia del director, embarcado en filmes cada vez menos interesantes. Gran parte de esta década se la pasa dirigiendo episodios de televisión y telefilmes. En el siglo XXI, las cosas no le van mucho mejor, aunque aún dirige títulos interesantes como el remake La masacre de Toolbox (Toolbox Murders, 2004).

A pesar de lo irregular del tramo final de su carrera, Hooper contribuyó a cambiar el rostro del género en los 70, creó uno de los personajes más icónicos del cine de terror y durante los 80 nos ofreció una serie de imaginativas, diferentes y fantásticas películas.

25 ago. 2017

Y la Torre Oscura cayó: Todo lo que está mal en la adaptación de la gran saga de Stephen King

 
Akiva Goldsman, Nikolaj Arcel y los ejecutivos de Sony han conseguido lo que el hombre de negro y el Rey Carmesí no pudieron lograr: hacer que la Torre Oscura caiga. Por lo menos su viabilidad como gran franquicia cinematográfica ha quedado destruida, gracias a la terrible adaptación que hemos tenido la desgracia de ver, no solo los fans de Stephen King y la saga La Torre Oscura, también los espectadores de todo el mundo.

Cuando supe que Akiva Goldsman iba a encargarse del guion de la adaptación a la gran pantalla de la gran saga creada por Stephen King, me temí lo peor. Viendo su currículum en IMDb, entenderéis por qué. Y cuando el guion apareció comentado por Internet, mis temores se vieron confirmados. Pero tras mucho tiempo sin saberse nada, después de que Ron Howard se retirara como director, Nikolaj Arcel entró en escena y dijo que empezaban de cero con el guion y que la película sería como una secuela de los libros. Grandes noticias: la idea de la secuela me parecía una manera muy inteligente de poder meterse en los libros sin ser esclavo de ellos y poder llevarlos a la pantalla de forma más cinematográfica. Contratar a Idris Elba y Matthew McConaughey, como, respectivamente, Roland Deschain y el hombre de negro, parecía otra buena señal.

Pero las malas señales no tardaron en aparecer. Veo que la fecha de estreno se retrasa considerablemente: partes de la película no funcionan y se han de volver a rodar diversas secciones del film. Y el tráiler no llega hasta que queda muy poco para el estreno, sin crear interés en el gran público. Solo los fans de Stephen King nos fijamos en las distintas referencias que aparecen, pero parece obvio que han utilizado el guion de Akiva Goldsman, lo cual no es bueno en absoluto.

Y entonces se estrena y miro en IMDb que la película dura poco más de 90 minutos y que está calificada en Estados Unidos para mayores de 13 años. Fue entonces cuando supe que la película iba a ser horrible.

Sin embargo, soy una persona optimista por naturaleza, así que fui a verla con la mente abierta y esperando por lo menos disfrutar con una película entretenida. Pero lo que vi me rompió el corazón como fan de Stephen King y amante de La Torre Oscura (podéis comprobarlo leyendo este artículo que escribí sobre ella para Underbrain Mgz).

La película no solo traiciona la esencia de Roland como personaje (sin ninguna culpa por parte del actor que solo interpreta el guion), su decisión de utilizar diversos pedazos de las novelas garantiza que no se podrá hacer una adaptación de las novelas.

Para alguien que no haya leído los libros resultará difícil de entender (y tras ver la película no creo que tuviese muchas ganas de leerlos). Pero para mí, que los he leído más de una y dos veces, fue una experiencia terrible. Por supuesto, tendría que entrar en terreno spoiler para que quedara más claro, baste decir que la película mezcla sin ton ni son elementos del libro tercero, quinto, sexto y séptimo. Con la intención de usar segmentos del libro primero y cuarto en una serie de televisión.

El primer libro se inicia con una frase que hoy es mítica: El hombre de negro huía a través del desierto, y el pistolero iba en pos de él. Una frase que Stephen King insistió que tenía que aparecer en el film. Y aparece, la única concesión que le hicieron al maestro, pero fuera de contexto, sin que tenga ninguna fuerza ni sentido.

Roland está obsesionado con llegar a la Torre Oscura, es su misión en la vida. Todo lo que hace sirve a ese propósito. Sin embargo, en el film optan por recurrir al tópico "héroe reluctante" que está solo interesado en la venganza y no le interesa proteger la Torre Oscura. Cuando vi la escena en que Roland dice eso fue el momento en que dije: que se joda esta película. Bueno, no lo dije en voz alta, tuve la suficiente fuerza de voluntad para pensarlo solamente y no gritarlo a la pantalla como quería.

Gran parte de los conflictos en las novelas se originan en impedir que el hombre de negro posea toda una serie de bolas mágicas. En la película aparece con todas las bolas ya en su poder, incluso la bola negra. Por cierto, si ya salvan la Torre Oscura en esta película, ¿qué pensaban hacer en las siguientes entregas?

Los viajes en el tiempo forman parte de la saga y en el segundo libro se crea una paradoja temporal que impide que sucedan ciertos eventos del primer libro. Por eso es vital el viaje de Jake al Mundo Medio en el tercer libro. Obviamente, todo ello desaparece en la película, de modo que para explicar por qué Jake sabe de la existencia de Roland y la Torre Oscura se inventan que tiene el resplandor y le otorgan poderes telequinéticos. Por supuesto, el resto de aventureros que siguen a Roland están ausentes, así que el film nos muestra otra tópica relación de héroe gruñón que no quiere tener a su cargo a un niño, pero cuyo corazón se acaba ablandando. Una relación que ya es un rancio cliché y que no encontramos en las novelas. Que se joda esta película.

Creo que lo que más daño me hizo al ver esta pobre excusa de film, más que su falta de ambición o que parezca un piloto bastante malo de una serie algo cutre, es la colección de tópicos, clichés y cosas mil vistas que se amontonan por cortesía de Arcel y Goldsman.

Espero que la película sea un gran fracaso y que no se produzcan más entregas, porque no sé si podría soportarlo. Por supuesto, siempre pueden hacer un reboot e intentarlo de nuevo. Lo mejor de todo es que los libros siguen intactos y podréis disfrutarlos siempre que queráis. Es la mejor manera de viajar hacia la Torre Oscura.


17 ago. 2017

Esclavas en el espacio (Slave Girls from Beyond Infinity)


Ni el póster, ni el título, ni el tráiler (que podéis ver abajo) dan una idea de cómo es realmente esta película, su argumento o su estilo. Este film es el resultado de que algunos productores están convencidos de que en el espacio todo es mucho mejor. Así, mientras Roger Corman tuvo Los 7 magníficos del espacio (Battle Beyond the Stars, Jimmy T. Murakami, 1980), Charles Band tuvo Esclavas en el espacio (Slave Girls from Beyond Infinity, Ken Dixon, 1987), una versión espacial de El malvado Zaroff (The Most Dangerous Game, Irving Pichel, Ernest B. Schoedsack, 1932).

Daria (Elizabeth Kaitan, acreditada como Elizabeth Cayton) y Tisa (Cindy Beal), escapan de la  prisión espacial en la que están encerradas, logrando robar una nave en su huida. Al pasar cerca de un desconocido planeta, su nave empieza a fallar sin razón y se estrellan en este planeta. Allí se encuentran con otros náufragos y con Zed (Don Scribner), el amo del lugar. Zed, con la ayuda de sus robots, tiene un curioso pasatiempo: cazar humanos. Y ahora Daria y Tisa, junto al resto de náufragos (que incluye la estrella de la serie B y científica Brinke Stevens) son los próximos objetivos de Zed.

Filmada con un presupuesto mínimo, es obvio que la película esperaba atraer espectadores (principalmente masculinos) con la promesa de un montón de chicas en diversos grados de desnudez en una gratuita sexploitation espacial. Pero lo cierto es que la explotación femenina es bastante mínima, las tres protagonistas se pasan gran parte del metraje con una especie de bikini y solo hay una escena de sexo, no muy distinta a la que se puede encontrar en cualquier película de otros géneros, con tono cómico y sin que se vea nada explícito. Además, esto se ve compensado con el hecho de que los personajes femeninos son bastante fuertes, en particular el interpretado por Elizabeth Kaitan (que muchos recordaréis por sus apariciones en  Viernes 13 VII: Sangre nueva [Friday the 13th Part VII: The New Blood, John Carl Buechler, 1988] y Monstruos en la noche [Nightwish, Bruce R. Cook, 1989]), una intrépida e inteligente aventurera que pone contra las cuerdas al malvado Zed.

Es una lástima que esta táctica publicitaria es posible que alejara muchos espectadores y espectadoras de lo que en realidad es una entretenida cinta de aventuras cuya ambientación espacial permite añadir robots, mutantes y pistolas láser a la historia. O puede ser que simplemente tengo debilidad por estas historias de caza humana y supervivencia que perdono las obvias carencias del film. Tal vez es más esto último que cualquier otra cosa: es una cinta de serie B llena de momentos tontorrones, pero me mantuvo entretenido de principio a fin (apenas llega a los 80 minutos de duración, lo cual ayuda).

En definitiva, una película para los amantes de la serie B más ligera y divertida. Como decía al principio, el argumento y el estilo que presenta el tráiler no tiene nada que ver con cómo es la película en realidad, pero aquí lo tenéis de todas formas.


16 ago. 2017

Valerian y la ciudad de los mil planetas (Valerian and the City of a Thousand Planets)


Podéis saber hasta que punto fue una amarga decepción Valerian y la ciudad de los mil planetas (Valerian and the city of a Thousand Planets, Luc Besson, 2017) leyendo la crítica que he hecho para Underbrain Mgz, clicando aquí:


Es posible que no hubiese sido una decepción tan grande si no fuese fan de las aventuras de Valerian y Laureline y si Luc Besson no fuese el mismo director de Nikita, dura de matar (Nikita, 1990), El quinto elemento (Le cinquième élément, 1997) y El profesional (Léon) (Léon, 1994). A pesar de todo, como podéis intuir en el tráiler, Valerian es visualmente espectacular y no tiene sentido verla en otra parte que no sea en el cine.


14 ago. 2017

La seducción (The Beguiled)

 
Ya podéis leer mis impresiones sobre la nueva película de Sofia Coppola La seducción (The Beguiled, 2017) en Underbrain Mgz, clicando aquí:


Tal vez para mí fue una decepción al conocer la versión que hizo Don Siegel de la misma historia. Y tal vez aquellos que no hayan visto El seductor (The Beguiled, 1971) de Siegel disfruten más con esta película.

9 ago. 2017

Star Slammer aka Prison Ship


El especialista en cine barato y serie B Fred Olen Ray nos ofreció una divertidísima chorrada con Prison Ship aka Star Slammer (1986), una película que mezclaba space opera con el género WIP (mujeres en prisión, para aquellas personas sanas de buen gusto).

La protagonista de este despropósito es Taura (Sandy Brooke), que es hecha prisionera injustamente y enviada a una cárcel espacial para que se pudra. Además de pelearse con las otras prisioneras, Taura deberá sobrevivir dementes en busca de venganza, corrupción, batallas mortales con extrañas criaturas... Básicamente, los escenarios típicos de una WIP pero ambientada en el espacio. Todo ello contado con un tono humorístico que en ocasiones se acerca a la parodia y que hace que el nivel de entretenimiento y diversión del espectador se mantenga bastante alto. El humor también hace más fácil que el espectador ignore las limitaciones del presupuesto que hacen que esta cárcel espacial tenga a todas sus prisioneras en un pasillo con varias celdas.

Desde el primer momento, el film deja clara sus intenciones. Tras un prólogo en el que una prisionera es torturada por Exene (Marya Grant) y sus secuaces, arrancan los títulos de crédito con un plagio descarado del tema principal de En busca del arca perdida (Raiders of the Lost Ark, Steven Spielberg, 1981). Una elaborada animación nos informa de que vamos a ver The Adventures of Taura: Prison Ship, para luego ver sobreimpresionado en genéricas letras blancas Star Slammer, título con el que es más conocida y actualmente se encuentra editada en Blu-ray.

He mencionado el plagio a la música de John Williams, pero Star Slammer tiene otra cosa en común con las películas de Steven Spielberg y George Lucas: su inspiración en el pulp y los seriales. Se estructura en capítulos y su argumento inicial recuerda bastante al de este tipo de cine de aventuras, aunque con ambientación propia de la ciencia ficción. Luego pasa a convertirse en la mencionada WIP espacial, pero sin abandonar del todo el espíritu pulp. El film también guarda una importante conexión con el film de culto Criaturas asesinas (The Deadly Spawn, 1983), ya que John Dods trabajó en los efectos especiales de ambas, lo que explica que la criatura asesina de Criaturas asesinas haga una aparición especial en Star Slammer. También se reutilizó metraje de Estrella oscura (Dark Star, John Carpenter, 1974), Los 7 magníficos del espacio (Battle Beyond the Stars, Jimmy T. Murakami, 1980) y La galaxia del terror (Galaxy of Terror, Bruce D. Clark, 1981) para las escenas que transcurren en el espacio.

Desprejuiciada y despreocupada, esta película pretende poco más que hacer pasar un buen rato al espectador, cosa que consigue. El tono, las interpretaciones pasadas de rosca y el delirante guion garantizan que el aficionado a la serie B disfrutará con este título procedente de la era dorada de los videoclubs. Solo he encontrado el tráiler francés, pero os dará una idea de lo absurda que es.